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criticism

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OMA/Progress

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Barbican Art Gallery, London

6 October 2011 - 19 February 2012

Curated by ROTOR

As I exit the gallery through the dark bronzed doors I have the clear impression that nothing really new can be reported from the OMA/AMO world. The more interesting matter, it would seem, is the young collective Rotor, curators for the exhibition OMA/Progress at the Barbican Centre from the 6 October 2011 until the 19 February 2012. The Belgian collective, founded in 2005, acquired visibility with the project Usus-Usures presented at the Venice Biennale in 2010. The work focused on the wear and tear of common building components revealing a genuine sensitivity for the material and symbolic values of the progressive weathering of architecture. Two years earlier, in 2008, Rotor presented Deutschland im Herbst at the Ursula Blickle Foundation near Karlsruhe working on the leftover material of 15 different industrial manufacturing processes.

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At the Barbican, Rotor’s task is to make a portrait of OMA by combining the detail of a retrospective and the snapshot of a reality-show. The aim is to provide an “outsider view of the inside of a particular architectural office”: the exposition of archive research, and a particularly laborious one considering that the OMA archive accounts for 3.5 million documents and grows at a rate of more than 1,000 a day. The OMA production cycle is described through the rigorous and silent array of documents, products and leftovers resulting from a search through the immense body of work of OMA. In an attempt to display the projects with technical and scientific rigour, the selection of the search key words seems the only critical choice consciously made by Rotor. Walking through the exhibition rooms “white objects” follow “moving things”, “urban sight lines” are next to “Corian material samples” or “sustainable designs”. The issue of usability of an ever-expanding database is dramatically relevant, especially in relation to the practice of architecture, which has always been burdened by the archiving obsession of architects’ infinite egos. These considerations must then be combined with the explicit effort undergone by OMA of reducing the intellectual waste of its hyperactive production cycle. This has resulted in recycling wherever possible, as much as possible. In light of this, OMA had already developed a perfectly sound communication style to present their work: the book/exhibition Content (2003) was conceived as an accumulation of heterogeneous and raw materials arranged with editorial brutality.  At first, this seems to match Rotor’s curatorial direction as technical drawings, material samples, sketches, emails, videos, postcards and draft renderings are all diligently arranged in an explicitly unfinished environment.

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Yet if OMA’s objective is the communication of contents - and thus form becomes a consequence - in Rotor’s work form is used as the primary search parameter while the content is subject to multiple interpretations. Although united by the reference to the ready-made, the essential and elegant language of Rotor and the excessive and Pop one of OMA fail to find a synthetic solution. The curating choice - only apparently neutral - of communicating OMA works without a critical position results in a Wunderkammer rather than a scientific description. The end result is ambiguous as Rotor’s work is neither an ideological critique nor a promotional propaganda but simply an autonomous artistic gesture.

Marcel Mauer

London, 6 October 2011

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Marcel Mauer is an architect and works in London

www.marcelmauer.eu

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At the end of the press conference with Rem Koolhaas and Rotor (Barbican Art Gallery, London, 6 October 2011), Marcel Mauer meets Marteen Gielen, founder of Rotor, for a quick interview.

Maarten Gielen (MG): The title of the exhibition constitutes a reference to the way the content is displayed. If we had to empty the space and build something new inside it, we would have lost another week of research and work. We had to decide on the basis of what we really wanted, so the display devices, such as tables and walls, provide a really pragmatic way of presenting the documents.


Marcel Mauer (MM): Just by walking through the rooms of the exhibition, I felt that you had to undergo a challenging task reviewing OMA’s archive. The end result is unexpected and intriguing. I came here today with the idea of writing an article about OMA but I think that I will write an article about Rotor instead!

(MG): Oh thanks! I must say that quotes by Rem always work better than quotes by Rotor, so if you have to use a quote, take a Rem’s one (laughter).

MM: I met your work in Venice last year (Use/Usures, Belgian Pavillion, Venice Biennale 2010), which was very inspiring and just one year later here you are again at the Barbican today, curating the first substantial exhibition of OMA in the UK. You must be working really hard! Tell us more about Rotor.

MG: It is also a very pragmatic story: Tristan [Boniver] and I founded Rotor in 2005. At that time we both had to do a project with no budget and we were trying to find a way to combine the solutions of our problems. Looking for an answer, we opened the yellow pages to get in contact with all the companies providing timber moulds for concrete works. We soon realised that all the timber is periodically replaced. So we undertook a study focused on manufacturing cycles. We were interested in the transformation process both in a material and metaphorical (non-material) way. One of the first exhibitions that we did on this subject was in Germany [DEUTSCHLAND IM HERBST, Ursula Blickle Foundation November 9 – December 14, 2008]. The research was based on a series of visits to different manufacturing and production companies. Each of these companies were interesting to us for the metaphorical interpretation of their production process. For example, there was one Belgian company producing white polyurethane boots. The chemical reaction following the polyurethane injection resulted in a material overflow. The overflown polyurethane constantly dripped underneath the machine and once hardened it left irregular conic polyurethane pyramids. The exhibition was simply the collection of observations and notes on 15 different materials and manufacturing processes. The results of this initial work really got us enthusiastic about our research!


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MM: The practice of critical selection, which underpinned this initial work in 2008, seems to me the main operating device used to identify the individual items for the OMA exhibition, now that the work is complete are you satisfied with the resulting message?

MG: What we wrote in the opening statement at the entrance of the exhibition is that our aim is to describe OMA’s work in a purely technical way. Nonetheless we often heard comments underlining the apparently clear reference to various conceptual artists. This happened in a similar way with our work in Venice last year. I remember an artist friend of us who was enthusiastic about our work and wanted to discuss the reference to the work of Gordon Matta-Clark. Such reference is not something that we worked on consciously. We are not expecting a prior knowledge to understand our work but we are interested in the various interpretations that people find.

MM: Can we say that the research method on left over materials developed in the Deutschland Im Herbst exhibition in 2008 has been partially re-applied for the OMA exhibition?

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MG: Yes and no. On the one hand we looked at the whole OMA production cycle in a similar way to our previous work in Germany but that work really focused on left over material whilst the work that we present for OMA is not just about left overs. Some of the images we present at the Barbican are clearly crafted by OMA to present publicly their works. We wanted to display both work in-progress and finalised images simply presenting them as documents. The difference between the original OMA representational images and our exhibition is that we are removing the assertive context of architectural marketing thus extending possible interpretations. Putting quotation marks before and after a text transforms the text into an opinion, no longer a stated fact. This difference between facts and opinions is stigmatised in our exhibition design. There is a section of the exhibition that is free of charge, and there the presentations are most influenced by OMA’s own rhetoric.  You can find there a chronological list of all OMA projects to date, and a ready-to-use exhibition design that we found on the OMA server. We decided to display this as such, without altering anything, as one of the many documents displayed.


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MM: This exhibition is primarily a work of archive research and selection, what is your experience in working with and in the OMA archive?

MG: It has been a tremendous! We not only had to work with the archive but also with the server. With the server it was relatively easy. If one knows what to look for, it is pretty straightforward but if one doesn’t know what to look for, then it can get rather complicated. In those cases we had to overlap multiple searches. Each search was strictly connected to a key word such as “sustainable” or “travertine” or “glass” etc. Yet, even with key-word searches, it was still relatively doable. The real complexity started when we tried to pull together facts dating back twenty years ago especially because the turnover at OMA is extremely fast and people don’t often remain more than 3 – 5 years. So looking for any information on a project ten or twenty years old, it was almost impossible. I must say that all OMA partners have been incredibly helpful in these cases.

MM: Leaving OMA for a moment and concentrating to Rotor. Looking at the projects done thus far, it would seem that your collective prefers curating than designing. Is this true?

MG: As you rightly say, Rotor is a collective so each decision has to be taken collectively. Design is a very slow activity if the whole collective has to agree on each design issue. We still like to design but – quite frankly - we are slightly uneconomical as a design studio simply because of the time needed for our decision process! In order to design effectively we must limit our work to the projects where we receive cart-blanch and this is easier in curating exhibition than designing projects.


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MM: Let’s try now to connect the practice of your collective with the exhibition design for OMA, we could say that the aesthetic of the unfinished is partially a deliberate stylistic choice – with more or less explicit artistic references – and partially the pragmatic result of the constant dialectic within Rotor. Looking back at some of the major architectural exhibition just ten years ago, we might feel also a sinister resonance to the current economic crisis, is this symbolic?

MG: Not really, it is just about how we wanted to spend the money. Some of the things that were already present in the gallery space have been left how they were because we did not want to spend precious time to collectively agree on something that was not so important for us. So we just kept those elements as they were. On the other hand, for instance, having the right lighting was crucial to present such a heterogeneous content and therefore a substantial part of time and resources was spent on this. Similarly we were not interested in some fancy white pedestals that would have ended in a skip after the end of the exhibition so we opted for simple height-adjustable tables.

MM: It is clear that the primary effort for Rotor was to discuss the exhibition design and find an internal coherence. What has been OMA input in this?

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MG: The task of browsing 3.5 million images is simply impossible without somebody’s directions. All of OMA partners have been very helpful in directing our research. Also it is worth saying that there has been a lot of other people involved, such as clients, private funders, public institutions, as the collection is ownership of the exhibition content it implies a variety of parties.

MM: One last question, exhibition are great opportunity for visibility, do feel like being part of OMA marketing strategy?

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MG: You know, it’s a very interesting question. If your question would be “would OMA do all this if it was against their interest?” then the answer would be “no”. If your question would be “is this all planned and clearly polished by OMA marketing consultants?” then the answer would still be “no”. From OMA there has been a clear decision to delegate the whole exhibition design to an external team. Rotor is a collective of 4 people plus two collaborators, six of us can afford to spend half a day discussing the exhibition layout. If the same time and task had to be undertaken by the top seven partners of an international design office such OMA, it would have simply be impossible. It was necessary to delegate. We’ve experienced OMA in a very honest way. OMA are so bluntly explicit. If this was really their promo campaign probably you would have seen “OMA PROMO CAMPAIGN 2011” at the entrance! It’s their style and I trust them on that!

MM: Thank you.

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MG: Thank you.

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Founded in 2005, ROTOR is a collective of people sharing a common interest in the material flows in industry and construction.

On a practical level, Rotor handles the conception and realization of design and architectural projects. On a theoretical level, Rotor develops critical positions on design, material resources, and waste through research, exhibitions, writings and conferences.

rotordb.org



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di Silvia Micheli

Brisbane, 19 settembre 2011


È di pochi giorni fa la notizia che lo storico dell’architettura Jean-Louis Cohen e l’architetto Nanne de Ru sono diventati membri del Berlage Institute Research Board presso il Berlage Institute di Rotterdam. A loro si aggiungerà un terzo nuovo membro il cui nome dovrebbe essere annunciato entro l’anno.

Si legge a conclusione del comunicato ufficiale apparso sul sito del Berlage: “As members of the Research Board, Cohen and de Ru will be closely involved in redefining the Institute’s future”. Dunque l’istituto olandese, tra i più apprezzati a livello europeo, si sta impegnando per rinnovare il proprio assetto organizzativo, puntando sul settore della ricerca non tanto con il coinvolgimento di star internazionali per attrarre l’attenzione, ma con professionisti in grado di ridisegnare un progetto a lungo termine – si parla non a caso di “futuro”, parola ormai scomparsa dal dibattito architettonico italiano.

Non solo. Continuando a leggere il comunicato si evince che Cohen “will also take the Berlage Chair at Faculty of Architecture at the Delft University of Technology for a three-year period. The Berlage Chair was established in 2000 as a part of the collaboration between the Delft University of Technology and the Berlage Institute. Professor Cohen will contribute to strengthening this collaboration as well as to the renewal of the Berlage’s programs”. Insomma, oltre a una vera e propria iniezione di rinnovamento dei programmi, il Berlage Insitute scommette sul potenziamento delle connessioni tra istituzioni.


Tale notizia, della quale ci rallegriamo sinceramente, dovrebbe servire da stimolo per pianificare il futuro delle nostre scuole di architettura italiane. Al contempo ci induce a formulare amare considerazioni sulla condizione universitaria nazionale, la cui ricerca e didattica risulta sempre più spesso ripetitiva e limitata ai confini delle nostre scrivanie e aule.


Tra il 2011 e il 2012, su indicazioni ministeriali, scompariranno le facoltà di architettura italiane (e con esse i presidi, i consigli di facoltà), soppiantate dalle “scuole di architettura”. Tale passaggio dovrebbe allinearci, idealmente, con il sistema universitario internazionale. Si pensi dunque alla Yale School of Architecture, Harvard Graduate School of Design, Delft School of Design ma anche ad altre istituzioni quali l’Architectural Association, lo Strelka institute for Media, Architecture and Design o al Berlage Insititute, appunto, riconducibili per dimensioni e organizzazione a “scuole” piuttosto che “facoltà”. Questi sono i centri culturali dove oggi vengono condotte le ricerche più sperimentali per la nostra disciplina. In ambito italiano, il cambio nominale da “facoltà” a “scuola”, e le dirette implicazioni gestionali, potrebbero dunque essere intesi come reale occasione di rinnovamento strutturale delle istituzioni sull’esempio del Berlage Instiute.


Ma l’Italia, si sa, non è l’Olanda. A ben guardare c’è una grande agitazione nel cambiare la titolazione dei corsi di laurea, dei laboratori, dei dipartimenti, ma a una verifica più approfondita l’offerta formativa rimane pressoché inalterata e non vi sono strategie efficaci in grado di evolvere il sistema. I professori ordinari rimangono saldamente posizionati nelle stanze dei bottoni,  attorniati da una folta schiera di contrattisti ridotti a tirare a lucido le console: sostanzialmente si procede per continui “rimpasti” e mai per mezzo di nuove figure in grado di innescare nuovi processi culturali. Conseguentemente i programmi variano nella costruzione sintattica ma rimango inalterati nei contenuti da ormai 40 anni, con idee che erano rivoluzionarie nel ‘68 ma che oggi fanno parte della storia, se non messe nella giusta prospettiva. Inoltre risulta allarmante la crescente impotenza di dialogo tra istituzioni.


In un estenuante quanto confusionario gioco di scatole cinesi, si insiste sui contenitori, e non sui ben più importanti contenuti. In sostanza si assite a una drammatica assenza di qualunque idea di progettazione del “futuro”.


Alcuni giornali registrano con assiduità lo stato crepuscolare del sistema universitario italiano, con testimonianze sconcertanti sulla fuga dei cervelli o sulle occasioni di ricerca perdute. Proteste, articoli caustici si susseguono giornalmente, eppure la denuncia non suscita interesse, in un Paese dove la telenovela politica ambientata a Palazzo Grazioli e a Montecitorio attrae – e svaga – di più…


“Bisogna che tutto cambi, perché nulla cambi”… Ecco la rivoluzionaria idea di “futuro” portata avanti oggi nelle “nuove” scuole di architettura in Italia…






di Marco Biraghi


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L’ultimo libro di Pier Vittorio Aureli, The Possibility of an Absolute Architecture (The MIT Press, Cambridge, Mass. 2011), ha il coraggio di riaccostarsi ancora una volta ai luoghi più comuni della disciplina architettonico-urbanistica. Lo fa mantenendosi distante dalla pratica, assai diffusa negli ultimi anni, di “creare” nuovi concetti per cercare di spiegare una realtà contemporanea spesso vista come inesorabilmente “mutante” rispetto al passato, e dunque del tutto inconciliabile con questo; ma al tempo stesso lo fa senza cedere alla tentazione - altrettanto diffusa e frequente - di rifugiarsi nella sterile negazione della realtà, o di farsi paladino di una critica programmaticamente “contro” o “anti-”.


Non soltanto la gran parte dei progetti e degli oggetti architettonici scelti da Aureli per sostenere il proprio discorso sono tra i più noti e citati dalla storia e dalla critica architettonica, ma anche i concetti e i termini a cui egli fa ricorso sono tra i più “basilari” e consueti in questo settore: a partire dal campo stesso d’indagine da lui preso in considerazione, il territorio che abbraccia architettura e città.


È proprio su questo terreno che si lascia misurare fin da subito il coraggio e la “portata” del libro di Aureli: esso infatti prova a ristabilire un nesso intrinseco tra architettura e città, non più però sulla scorta delle “ragioni” morfologico-tipologiche che ormai cinquant’anni fa avevano guidato le ricerche, tra gli altri, di Aldo Rossi e Carlo Aymonino. E neppure lo fa ricorrendo ad alcuna tra le tante “sociologie della città” (o della metropoli) correnti ai nostri giorni. È piuttosto dalle categorie del “politico” e del “formale” - categorie fondative e in una certa misura “preliminari” rispetto al campo considerato - che il suo discorso prende le mosse. Lasciando momentaneamente da parte gli “avanzamenti” e gli “aggiornamenti” disciplinari, Aureli fa dunque ritorno ai fondamenti. E sono le parole, anzitutto, che egli interroga alla ricerca del loro senso perduto, o rimosso. A partire dall’etimologia di ab-solutus, l’aggettivo che qualifica la sua idea di architettura: «qualcosa che è risolutamente se stesso dopo che è stato “separato” dal suo altro». Da ciò discende che «la condizione effettiva della forma architettonica è di separare ed essere separata».


Aureli palesemente non è interessato all’aspetto “formale” dell’architettura in senso estetico-figurativo: ciò che vuole mettere in luce è la natura finita, definita, delimitata, della form, non la sua shape. Il problema della forma è dunque quello stesso del limite. Come già cent’anni fa rilevava Georg Simmel: «Il segreto della forma sta nel fatto che essa è confine; essa è la cosa stessa, e nello stesso tempo, il cessare della cosa, il territorio circoscritto in cui l’Essere e il Non-più-essere sono una cosa sola».


Assumere come punto di partenza del discorso su architettura e città la questione della forma in quanto limite significa additare come fondamentale la questione delle differenze. I limiti infatti sono le differenze. «Nel suo separare ed essere separata, l’architettura rivela in uno l’essenza della città e la propria stessa essenza come forma politica: la città come composizione di parti (separate)». Il legame tra architettura e città, allora, non è qualcosa che scaturisce dall’assunzione di uno specifico punto di vista interno alla disciplina, quanto piuttosto qualcosa che appartiene già da sempre - ontologicamente - alla relazione dialettica che connette tra loro le componenti che vi entrano in gioco. Questo legame si dà nella forma della composizione delle differenze. In ciò consiste, in definitiva, la città: architetture conviventi nel loro radicale differire. E qui le differenze non vanno intese tanto in senso tipologico o funzionale bensì in senso formale, come oggettivazione di un limite.


Per Aureli l’idea di un’architettura assoluta si traduce “concretamente” in una serie di isole chiare e distinte, relazionate tra loro nella forma dell’arcipelago. La parola “arcipelago” non è certo inedita nell’ambito del discorso architettonico e urbano degli ultimi anni. E tuttavia, nell’impiego che egli ne fa non vi è traccia di alcuna sudditanza nei confronti delle “mode” - anzi, proprio il fatto di impiegarla dimostra la sua totale indifferenza per queste. D’altronde, per lui l’arcipelago non è minimamente riducibile a una metafora, un’espressione figurata da lasciar cadere non appena questa abbia svolto il proprio compito di portare là dove si voleva arrivare. Semmai egli intende l’arcipelago come un “archetipo”, un paradigma spaziale che, fin dalla Grecia antica, esprime una ben precisa (benché non aprioristicamente definita) relazione tra corpi: una pluralità di enti differenti (sia pure tra di loro congeneri), più o meno raggruppati o sparpagliati, ma in qualunque caso discontinui. «Il concetto dell’arcipelago descrive una condizione in cui le parti sono separate ancorché unite dal terreno comune della loro giustapposizione». È questa condizione topologica che Aureli pensa come nesso essenziale tra architettura e città, e in ultima analisi come forma stessa della città.


Ma in quale accezione va inteso quest’ultimo termine? Ben lungi dall’essere utilizzato in modo casuale o generico, anche il termine “città”, nel libro, viene vagliato sotto il profilo etimologico nelle sue diverse versioni: polis, civitas e urbs. E se la polis greca raccoglie entro i suoi limiti dati i polites che la abitano come una comunità omogenea per genos, logos ed ethos; se la civitas romana equivale alla somma dei suoi cives, che nulla (almeno potenzialmente) hanno in comune tra loro se non il fatto stesso di occupare lo spazio sempre crescente che li ospita, è invece l’urbs a incarnare nel modo più compiuto la costruzione materiale della città: «Mentre la polis greca era la città strettamente circoscritta entro il suo perimetro murato, l’urbs romana non era pensata per essere limitata, e di fatto si è espansa nella forma di un’organizzazione territoriale, in cui le strade hanno giocato un ruolo cruciale».


Sarà proprio l’urbs, infatti, a divenire nel corso della storia la specie di città planetariamente dominante - e addirittura, l’unico modello di aggregazione umana apparentemente possibile. Ildefons Cerdà, l’ingegnere e urbanista iberico del XIX secolo, ha introdotto per la prima volta il termine “urbanizzazione” per esprimere la condizione di illimitatezza e la completa integrazione di movimento e comunicazione determinata dal capitalismo. È questo «vasto e turbinante oceano di persone, di cose, di interessi di ogni sorta, di migliaia di elementi diversi» (Teoría general de la urbanización, 1867) che definisce con esattezza la realtà delle città odierne, il loro status di metropoli oltre la metropoli, senza più centro o periferia.


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È in opposizione al mare dell’urbanizzazione, dilagante a macchia d’olio e di fatto ormai sconfinata, che Aureli propone la sua idea di città: che, se non si limita a confermare le condizioni attualmente esistenti, non coltiva però alcuna illusione di poter ricreare le condizioni di esistenza della polis. La città-arcipelago non è pensata in alternativa alla realtà dell’urbanizzazione: semmai come integrativa di essa. In questo senso, si prefigura come un’inevitabile immersione nel mondo dell’urbanizzazione, punteggiato di architetture finite, distinte, limitate; isole, appunto, che non arrivano tuttavia mai a formare un intero.


Al primo capitolo, Toward the Archipelago. Defining the Political and the Formal in Architecture, a carattere eminentemente teoretico e fondativo, ne seguono altri quattro, dedicati ad altrettanti “casi” storici: l’architettura di Palladio e il progetto di una città anti-ideale; il Campo Marzio di Piranesi versus la pianta di Roma del Nolli; l’architettura di Boullée come “stato di eccezione”; l’idea di City within the City in Ungers e Koolhaas. In questi capitoli Aureli mostra una solida conoscenza dell’architettura e della sua storia. Ma non è strettamente da questo punto di vista che vanno letti. La ragione di tali approfondimenti non è quella di presentare documenti “inediti” o di fornire nuove interpretazioni di quelli già noti. Essi piuttosto sono funzionali al discorso di Aureli, che in questo modo cerca nel passato gli “indizi probatori” - o piuttosto gli adeguati “sostegni” - della propria teoria.


Non mancano, in questi capitoli, alcune forzature (basti a titolo esemplificativo l’applicazione alle architetture disegnate di Boullée della categoria schmittiana-agambeniana dello “stato di eccezione”). Sarebbe però pedante, oltre che in fondo inutile, rimproverare ad Aureli un uso troppo disinvolto della storia, dal momento che è proprio un uso troppo rigido e poco interessante della storia che si può e deve spesso e volentieri rimproverare agli storici “di professione”. Le “forzature” di Aureli vanno dunque lette come positivamente strumentali alla sua costruzione teorica, non diversamente da quanto si potrebbe fare con alcuni testi di Robert Venturi, Peter Eisenman o Rem Koolhaas, dove la storia è dichiaratamente - e in fondo non illegittimamente - reinterpretata in chiave contemporanea.


La finitio classica palladiana, la sommatoria di edifici privi di “tessitura” urbana del Campo Marzio piranesiano, la sequenza di edifici pubblici monumentali di Boullée come “progetto per una metropoli”, la città “fatta di isole” dei progetti di Ungers, servono tutte ad Aureli per dimostrare l’esistenza storica del rapporto tra architettura e città nel medesimo senso in cui egli stesso lo afferma.


L’indicazione immediata che scaturisce da tutto ciò è la necessità di un radicale ripensamento dell’architettura rispetto alla logica che informa gli edifici “iconici” contemporanei: landmark “solisti” che si inseriscono perfettamente nella trama senza fine dell’urbanizzazione. Contro tale logica, Aureli propone come modello di architettura per la città-arcipelago l’isolamento e l’innalzamento dell’edificio sopra un basamento, come dimostrativamente illustrato nel progetto koolhaasiano The City of the Captive Globe, o come insistentemente ribadito nella gran parte dei progetti e degli edifici di Mies van der Rohe. È proprio da una rilettura in tal senso delle opere miesiane - dalla Haus Riehl (1907) alla Nationalgalerie di Berlino (1962-68), passando per il Padiglione di Barcellona (1929) e per il Seagram Building (1954-58) - che Aureli trae il miglior paradigma realizzato della propria teoria e che la tesi del libro trova una sua persuasiva conferma: «I basamenti di Mies reinventano lo spazio urbano come un arcipelago di artefatti urbani definiti». E ancora: «Il basamento introduce un arresto nella fluidità dello spazio urbano, evocando così la possibilità di comprendere lo spazio urbano non come ubiquo, pervasivo e tirannico, bensì come qualcosa che può essere inquadrato, limitato, e in tal modo potenzialmente situato come cosa tra altre cose». La lezione di Mies viene così assunta per la sua capacità di definire un’architettura che è al tempo stesso «un’attitudine particolare nei confronti della città». Secondo Aureli, questa attitudine a inquadrare e a delimitare deve essere sviluppata «sia come forma materiale di architettura sia come principio politico di progettazione».


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L’indicazione teorica di portata più vasta e dalle conseguenze più ampie che si può trarre dal libro è quella già messa in luce in precedenza, ma che vale la pena di tornare nuovamente a sottolineare: contro la generalizzata omogeneizzazione, confusione delle differenze, o la loro semplice negazione - la composizione delle differenze. In questo senso «l’architettura assoluta come forma finita non è semplicemente l’affermazione tautologica dell’oggetto in quanto tale; è anche il paradigma per una città non più guidata da un ethos di espansione e inclusione bensì dall’idea positiva di limiti e confronto». È su questo piano che “formale” e “politico” s’incontrano e dimostrano di poter essere una cosa sola. «Invece di sognare una società perfettamente integrata che può essere ottenuta soltanto come supremo compimento dell’urbanizzazione e del suo avatar, il capitalismo, un’architettura assoluta deve riconoscere la separatezza politica che potenzialmente si può manifestare, nel mare dell’urbanizzazione, attraverso i confini che definiscono la possibilità della città». È qui - più e meglio che altrove - che si lascia riconoscere il già ricordato coraggio di Aureli: nell’affermare, oggi, la separatezza (ovvero, ancora una volta, la differenza) come un valore politico, non anti-politico: l’unico - l’ultimo - modo, forse, per poter stare insieme davvero.


L’identico coraggio, del resto, che lo porta a sostenere, nell’ormai completo e generalizzato asservimento delle idee alla loro “verifica” pratica, l’autonomia della teoria. In questo senso, se con The Possibility of an Absolute Architecture egli definisce con tutta evidenza il campo operativo nel quale si muove come architetto, è significativo però che rinunci a presentare nel libro i propri progetti: una rinuncia che è nel contempo la miglior “dimostrazione” in azione del suo stesso discorso sul limite.



20 giugno 2011



di Gabriella Lo Ricco

 

 

 

Campagna promozionale del sondaggio eXponiti, Milano 2009

Campagna promozionale del sondaggio eXponiti, Milano 2009

 

 

 

Dal 31 marzo 2008, giorno in cui la città di Milano si è aggiudicata Expo 2015, quel pensiero positivistico che ha determinato nel XIX secolo l’origine delle esposizioni  internazionali quali manifestazioni di progresso economico e produttivo si è manifestato diverse volte, in diversi luoghi e sotto diverse spoglie. Tale pensiero trova oggi le proprie ragioni in una curiosa idea secondo la quale le condizioni di eccezionalità determinate dai grandi eventi - Olimpiadi, Campionati Mondiali o Europei di calcio, Giubileo, Esposizioni internazionali, G8, ecc… - costituiscono automaticamente la possibilità di tracciare delle nuove prospettive evolutive.

 

È indubbio che Expo 2015 costituisca per Milano e per la Lombardia l’occasione per realizzare in tempi ristretti una serie di importanti opere infrastrutturali - quali ad esempio le Metropolitane o le autostrade Pedemontana e BreBeMi - tuttavia innumerevoli sono gli elementi che mostrano la metamorfosi che i tanto osannati effetti di Expo 2015 subiscono nell’accedere nel “territorio” milanese.  

 

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Campagna promozionale del sondaggio eXponiti, Milano 2009

 

Un dubbio doveva già insinuarsi nel 2009 quando, nei luoghi pubblici di Milano, sui mezzi di trasporto e negli spazi commerciali, sono comparse le immagini della campagna promozionale del sondaggio eXponiti. La campagna comunicava un messaggio chiaro: Expo 2015 è l’occasione, per la città di Milano e per i suoi abitanti, per sopperire a ciò che manca: per donare ai bambini spazi pubblici di divertimento e di formazione; per far percepire agli adolescenti un futuro radioso e in crescita verso cui aspirare; per offrire ai giovani lavoratori nuove occasioni internazionali di lavoro. In modo significativo, anche se il suo slogan recitava  che «l’Expo è nella tua città, è per te, è di tutti», il sondaggio eXponiti era rivolto a delle precise fasce generazionali - bambini, adolescenti, giovani e anziani - che escludevano la possibilità di includere tra di esse i rappresentanti di quella oligarchia finanziaria e politica instauratasi nella città dopo la fine di Tangentopoli e che oggi ne determina la trasformazione trascurando proprio l’interesse pubblico.

 

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Campagna promozionale del sondaggio eXponiti, Milano 2009

 

 

Un pensiero positivistico presuppone la programmazione dei lavori: Expo è l’occasione per ridare alla committenza pubblica un ruolo cruciale nella sperimentazione architettonica.

A ridosso dell’Orto Planetario verrà costruito un quartiere che darà ospitalità a parte del pubblico internazionale. Il quartiere, in ricordo del ruolo assolto dalla Triennale di Milano durante la ricostruzione con la realizzazione del QT8, viene emblematicamente nominato QTE15. La progettazione dei 160 edifici che comporranno il quartiere sarà infatti affidata tramite quindici concorsi pubblici volti a premiare le proposte architettoniche più sperimentali.

Si tratta di una proposta sorprendente visto che l’affidamento degli incarichi pubblici in Italia è regolato dal Codice dei contratti pubblici - un decreto legislativo che ha aggiornato nel 2006 la legge Merloni - per cui il principale criterio di selezione dei progettisti è di natura quantitativa - motivo per cui spesso gli studi di architettura riescono a concorrere solo unendosi in gruppo. Ma anche questa possibilità è ormai scartata, visto che in realtà i quindici concorsi pubblici sono stati nel frattempo tramutati in gare d’appalto per le imprese, gare in cui i progettisti vengono scelti dalle imprese stesse in base a fini che evidentemente esulano dalla ricerca di qualità o di sperimentalità dell’intervento.

 

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Expo Milano 2015. Veduta del QT15, Masterplan 2010

 

Un pensiero positivistico sottintende anche il masterplan di Expo 2015 elaborato dalla Consulta Architettonica composta da Stefano Boeri, Ricky Burdett, Jacques Herzog, William McDonough e Joan Busquets. Come affermato da Stefano Boeri il 19 giugno 2010 presso la Triennale di Milano “Expo e Cascine sono due esempi di un modo di pensare il territorio localmente non come palcoscenico, non come proiezione delle politiche, non come piattaforme mediatiche dove la politica si racconta spesso usando l’architettura - e noi [architetti] siamo vittime e complici di questa modalità [...]. Ma sono esempi della possibilità di usare il territorio come metafora di dinamiche sociali nuove, come luogo in cui la capacità di rappresentazione delle dinamiche sociali ti permette di intravedere delle forme nuove di fare politica [...]“.

 

L’idea dell’Orto Planetario - unitamente alla ristrutturazione delle settanta cascine pubbliche collocate attorno a Milano - nei propositi dei progettisti risponde infatti positivamente ai diversi piani che Expo implica. Sotto un profilo economico, e alla luce della crisi finanziaria innescatasi proprio a partire dal 2008, minimizza la spesa d’investimento pubblico, perché esclude la costruzione di padiglioni e propone la realizzazione di attrezzature pronte a rispondere a richieste funzionali variabili e impiegabili anche dopo la manifestazione in altri contesti. Sotto un profilo ideativo interpreta il tema dell’Expo, Feeding the Planet - Energy for Life, in modo concreto, perché affida ai vari paesi degli orti e degli spazi in cui mostrare nella pratica la filiera produttiva alimentare. Sotto un profilo sociale l’idea dell’Orto Planetario è strumentale a mettere in atto una modalità di intervento ormai inedita per la città di Milano, perché sottrae vaste aree del territorio alla speculazione immobiliare e le dedica al contempo alla vocazione agricola.

 

Expo Milano 2015. Veduta degli orti e delle serre, Masterplan 2010

Expo Milano 2015. Veduta degli orti e delle serre, Masterplan 2010

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Expo Milano 2015. Veduta del canale, Masterplan 2010

 

 In realtà si tratta di un’idea tutt’altro che inedita, perché già negli anni Sessanta gli architetti radicali avevano intrapreso tale strada contrapponendo alla città statica, percepita come emblema della speculazione edilizia, un modello dinamico che sostituiva al primato della forma e della “sostanza costruita”, quello dei bisogni degli abitanti. Ma si tratta anche di una modalità progettuale che calata nelle condizioni oggettive di Expo 2015 perde persino il suo senso originario, perché l’idea dell’Orto Planetario non esclude la formazione della città speculativa, nè inaugura un nuovo modo di intervenire nel territorio milanese. Innanzi tutto perché proprio nelle adiacenze del sito di Expo 2015 è stato avviato il progetto di Cascina Merlata, una operazione immobiliare di iniziativa privata che oltre al Villaggio Expo prevede la costruzione di alloggi per 8000 abitanti, edifici commerciali, alberghi e uffici. In secondo luogo perché l’esposizione è prevista in una vasta area di proprietà privata e quindi, qualunque sia l’accordo che le parti raggiungeranno, Expo è strumentale a legalizzare un considerevole trasferimento di risorse dal pubblico al privato. Inoltre, come evidenziano alcuni dei progetti in corso di realizzazione a Milano, come ad esempio Santa Giulia o City Life, sono proprio quelle parti dell’intervento che sono volte a valorizzare il patrimonio pubblico - nel caso di Expo 2015 quindi la ristrutturazione delle Cascine - a rimanere di solito avvolte da un manto di silenzio e da una genericità progettuale che spesso conducono al loro non compimento.

 

 

Expo 2015 aree concesse al Comune di Milano per l'esposizione

Expo Milano 2015 aree concesse al Comune di Milano per l'esposizione

 

Alla luce di ciò invece che scegliere di rinunciare all’architettura per evitare la strumentalizzazione del proprio operato, non sarebbe più “positivo” se gli architetti mostrassero concretamente all’opinione pubblica la differenza tra il lavoro di un architetto e quello di un costruttore e la differenza tra il valore d’uso e il valore di mercato?

 

 

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Io se fossi Dio, non avrei proprio più pazienza, inventerei di nuovo una morale e farei suonare le trombe per il Giudizio universale. (Giorgio Gaber)

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